La Musica di Joan Bages i Rubì

1 -Come definiresti la tua musica (teorie, influenze, obbiettivi)

Sono compositore, artista sonoro e pianista. Il mio lavoro musicale e sonoro riguarda la musica strumentale, la musica elettroacustica, la musica acusmatica, le installazioni audio-visive, la musica visiva. Compongo musica, eseguo musica elettroacustica, suono il pianoforte e anche improvviso.

Penso che la musica sia un’interazione tra il lavoro sulle morfologie del suono, approcci diversi per scrivere musica, improvvisazione e dispositivi tecnologici (sistema musicale interattivo).

Chiamo la mia musica MUSICA DELLA CREAZIONE: la composizione morfologica spettrale formata da diversi strati di morfologia sonora. Tutti questi strati funzionano come un suono olofonico formato dalla diversità delle morfologie.

Ho sviluppato approcci diversi per scrivere musica:

– Musica Contemporanea

– Composizione Spettro-Morfologica

– Partitura Sonora 

– Composizioni generate in tempo reale
da un sistema musicale interattivo

– Partiture Grafiche

2 -Da dove proviene la tua musicalità ?

La mia musica viene dal suono.
Dalle caratteristiche morfologiche dei suoni. Sviluppo le interazioni tra morfologie opposte.

3 -Presentaci un tuo nuovo lavoro :

“Ib” (opera elettroacustica)
Opera con ensemble, elettronica e visuals spazializzata con 8 altoparlanti.
L’idea di questa opera è quella di creare un grande setup, ma abbiamo solo un attore (il suono) e tutte le risorse fanno parte dello stesso attore. Questo attore (il suono) assume diverse forme e aspetti e formati: elettronico, visivo, gestuale, ecc …
L’obiettivo è di parlare della costruzione dell’individualità e del contrasto tra l’individualità e la creazione del concetto della società-collettiva. Il conflitto tra me e gli altri.

4 -Qual’è il tuo setup ideale per il live

Io uso un computer portatile con Max / MSP con una patch creata da me: «patch Sistema Musical Interactiu Holofonic ». Utilizzo una scheda audio dove collego microfoni a contatto e altri microfoni ; Quindi utilizzo diversi controller per creare un’interazione fisica tra gesti e il risultato sonoro.

La Musica di Vincent Laubeuf

Come definiresti la tua musica? (Teorie, influenze, obiettivi).

Sono un compositore che ama avvicinarsi alla molteplicità dei generi e delle espressioni. Così approvo tanto la musica acusmatica, quanto la musica mista o strumentale, la creazione radiofonica e l’installazione sonora, la concezione dello spettacolo dal vivo e l’improvvisazione electroacustica. Questa molteplicità è unita dallo stesso progetto artistico. Questo progetto è quindi affrontato da diversi punti di vista, da diversi tipi di percezione: tutte queste discipline lavorano sul suono, la loro relazione con il pubblico propone diverse percezioni (presenza temporale, scenica o no ecc.)

Le mie influenze a livello musicale, sono abbastanza ampie come ad esempio la musica medievale (più antica, migliore è), musica extra-europea (in particolare il Giappone, con il gagaku, musica rituale). Riguardo la musica acusmatica sono ispirato da Denis Dufour per il suo rigore compositivo (è stato il mio insegnante), Pierre Henry, per la qualità del suo suono crudo e intero e in particolare da Luc Ferrari, che in qualche modo ha liberato la musica dando potenza All’aneddotico sonoro (pur mantenendo una distanza di sicurezza su ciò che la musica è.)

Ma le influenze non sono solo musicali: la filosofia (per esempio Clément Rosset e il suo approccio alla realtà e la fortuità), la letteratura (per esempio, con lo scrittore giapponese Yoshimura, le sue atmosfere precise e strane), il cinema (Kobayashi, ancora un giapponese).

Il mio obiettivo, il mio progetto artistico, è diretto sempre più verso una musica di osservazione; Attenzione al suono, al silenzio. Un suono non necessariamente bello, non cerco l’edonismo, non è il soggetto, ma un suono la cui intrinseca ricchezza, le relazioni che si intrecciano insieme come energia, una tensione, vedono anche una forma di drammaturgia.

Quali sono le tue origini musicali e come hai realizzato la tua musicalità?

Vengo dalla musica classica, ho fatto molti anni di violino (fino all’età di 20 anni) prima di dedicarmi completamente alla composizione. La scelta della creazione piuttosto che la riproduzione (per quanto possa essere lodata).

Il fatto di provenire dalla musica classica mi ha insegnato il rigore del lavoro compositivo: struttura, forma, dettagli (questo non è l’unico modo per rendere la musica riuscita, ma mi si adatta bene).

In generale, prima di comporre, prendo appunti, idee, in modo testuale. A seconda del tema, leggo, guardo, film, mostre, cammino (molto). Una volta fatto questo, cerco di raccogliere i suoni (fuori, in studio, la mia cucina …) o lavorare direttamente con i banchi di suoni che già possiedo. La prima fase della composizione stessa, la voglio veloce, vedo estremamente veloce, lancio i suoni come fare uno schizzo. Una volta fatto questo schizzo, lo lucido, orchestro i suoni, “suono” la musica per dare l’impressione che esiste già un’interpretazione: questo passo richiede un’enorme quantità di tempo, al fine di avere una forma sia coerente che viva, provata.

Presentaci il tuo nuovo lavoro …

Il mio ultimo lavoro è chiamato «Torii, la porte du moi». «Torii, la porta del mese», è una creazione radio creata con il compositore Paul Ramage e il regista Nathalie Salles per la diffusione radiofonica su Creation On Air of France Culture ( Una radio pubblica francese) nel febbraio 2017.

Abbiamo fatto un doppio viaggio Giappone, abbiamo condiviso ogni parte
1. Paul Ramage, Tokyo: The Infinite City (Image, Language)
2. Paul Ramage, Osaka: The New World (interiority, intimacy)
3. Paul Ramage, Kyoto: towards the center of a world (speech does not exist)
4. Paul Ramage, Tokyo: Downtown, empty center
Transition: Vincent Laubeuf, A tour to Kushiro (hokkaïdo)
5. Vincent Laubeuf, Tokyo: a changing world
6. Vincent Laubeuf, Osaka: The Japanese are not all in costume!
7. Vincent Laubeuf, Kyoto: Ceremonies everywhere!
8. Vincent Laubeuf, Hiroshima: Catastrophes … Miyajima: Suspended …

Il viaggio si svolge sulle orme della persona che la vive, ma può anche essere letto come un taccuino, in modo frammentato secondo associazioni, altalene e riccioli. Questi obbediscono agli ospiti veri e immaginari, interni decodificati, aperti in costellazioni di colori e percezioni.
Nel ritorno da un tour di concerto che abbiamo fatto in Giappone a febbraio e marzo 2016, Paul Ramage e io abbiamo voluto condividere un quaderno a due lati, come un libro che viene letto in entrambi i modi e che avrebbe fatto vedere o sentire due percezioni della stessa traiettoria.

Questo notebook è una rappresentazione profonda dell’esperienza singolare e dell’interiorità di noi.
In questi due momenti, fianco a fianco, i paesaggi sonori registrati sul posto, musica
elettroacustica più astratta e le testimonianze di due donne giapponesi che hanno condiviso questo viaggio:
– i paesaggi sonori sono ricostruiti per assemblaggio e per missaggio per rendere, in modo esacerbato, le sensazioni percepite sul posto;
– La musica elettroacustica a volte rappresenta l’interiorità del viaggiatore, a volte diventa un gesto musicale, cristallizzando le emozioni;
– Yumi Fujitani e Kumi Iwase, che da lungo tempo hanno vissuto a Parigi, ci parlano del loro paese d’origine, evocano ricordi, immagini e, con la distanza, le loro percezioni sull’evoluzione della società giapponese …
Per ascoltare questo lavoro:

https://www.franceculture.fr/emissions/creation-air/torii-la-porte-du-moi

La Chitarra “Espansa” di Bill Horist

Scopriamo i mondi sonori del performer e compositore americano Bill Horist tra chitarra preparata ed elaborazione musicale elettroacustica dal vivo.

1-Come definiresti la tua musica (teorie, influenze, obiettivi)

Sono molto incoerente nel definire la mia musica. Trovo che il fattore definitivo sia la musica stessa. Il mio interesse principale è di presentarla in un contesto in cui un ascoltatore, che conosca la mia musica o no, potrebbe acquisire una posizione di comprensione. Anche il quadro in cui opero può cambiare quando trovo nuova ispirazione, non sempre con un nuovo suono o tecnica, ma con un modo diverso di vedere il materiale con cui sto lavorando. Anche se sono fermamente impegnato nell’idea che la qualità dell’arte dovrebbe stare sul proprio merito e non al valore basato su una spiegazione, sento la forza di costruire una sorta di connessione tra un ascoltatore e il lavoro. Questo è particolarmente vero quando si presenta agli ascoltatori che non hanno familiarità con la musica più astratta. Spesso, un semplice quadro guida può aprire la mente e le orecchie. Nonostante la natura arcana di ciò che faccio, ho sempre apprezzato il raggiungimento di un pubblico oltre gli ascoltatori informati – alle persone normali che ascoltano la musica convenzionale. Mi ricordo di aver attraversato “la tana di coniglio” della musica sperimentale anni fa e il senso di meraviglia e rivelazione che viene con la scoperta. Mi sento come questo è il mio più alto onore artistico e la responsabilità nei confronti di un ascoltatore – collaborare in quel processo di scoperta. Anche se le persone sono disposte a essere coinvolte in ogni tipo di arte, tempo libero, sport e passatempo, pochissimi si permettono di sfidare la musica. Perché questa sarà una conversazione in sé, ma il risultato sembra essere un livello extra di difesa contro la musica più astratta. Se posso caratterizzare il mio lavoro ad un pubblico in un modo che potrebbe allentare quella presa estetica e metterli in uno stato più ricettivo, è meglio per portare a termine il mio mandato.

solo at Union Station, Seattle

Ho suonato con un gruppo in un breve tour in Nicaragua qualche anno fa. Anche se stavo suonando, secondo i miei standard, la chitarra convenzionale, era ancora molto carica di effetti e fuori dagli schemi. Sulla base del festival a cui si partecipava, sapevo che questo tipo di gioco sarebbe andato fuori dall’idea di quello che la maggior parte considererebbe il jazz. Ho suggerito che il mio bandleader di presentarmi come “chitarra di fantascienza”. Ciò sembrò chiudere ogni disgrazia iniziale che la maggior parte degli ascoltatori avevano. Appena molti hanno potuto accettare i miei suoni come forma di vita aliena, sono stati più in grado di godervi, speriamo finalmente a proprio piacimento.
Non credo che ci sia alcuna base teorica specifica nel mio lavoro. Ho messo un alto premio sull’originalità e è stato il mio obiettivo creare musica che non suona come qualcun altro – abbastanza diverso da qualunque ascoltatore può sentire la differenza senza bisogno di spiegazioni sul perché è diverso. Dovrebbe essere ovvio da solo. Questo è uno dei motivi che mi sono richiamato alla tecnica estesa nei primi anni Novanta. Al momento non ho potuto vedere la mia strada attraverso la creazione di musica originale con il classico modo di suonare la chitarra – ancora non posso. Per non dire che non ho grande piacere e ricompenso dal suonare convenzionale. Fu solo un problema spaziale. Quando ho cominciato, c’era semplicemente più spazio nel regno della chitarra preparata per costruire un mio suono. Anche questo è cambiato drasticamente adesso. Cominciando adesso,sarebbe stato più difficile trovare una voce veramente originale.
Certamente non suggerirei che il mio lavoro sia privo di precedenti o di influenze.Ma c’era abbastanza terra incognita in quel mondo per me per creare un suono proprio pur essendo ispirato da antecedenti. In particolare, sono stato molto ispirato dai chitarristi Fred Frith, Nels Cline, Jim O’Rourke, Keith Rowe e Hans Reichel. Questi ragazzi sono stati il mio portale. Ma quando sono trasferito a Seattle nel 1995, sono stato commosso da persone che ho incontrato che stavano praticando una tecnica estesa sui loro strumenti; Come Sue Ann Harkey e Troy Swanson. Questo è stato nuovo per me perché mi ero trasferito da una città estremamente piccola del Michigan dove non c’era accesso diretto a musicisti che spingevano idee originali. Da lì mi sono incontrato con nuovi amici e collaboratori del Pacifico nord-occidentale e oltre.
Le cose più influenti sono il concorso tra la natura e la tecnologia, la lotta per il riscatto del controllo e l’egemonia spesso-ingiustificata di virtuosismo. Oggi sono molto influenzato dagli uccelli e dagli invertebrati marini – in particolare il plancton. Come queste influenze attuali influenzeranno il lavoro futuro non ho idea, ma li trovo davvero affascinanti!

2 – Da dove provieni musicalmente e come hai realizzato la tua musicalità?

Non ho avuto un’educazione particolarmente musicale. Sono stato costretto a suonare il pianoforte contro la mia volontà per alcuni anni, ma sono caduto non appena mi hanno dato la scelta. All’inizio degli anni Ottanta, mi sono rivolto a punk e alle sue varianti sotterranee mentre vivevo vicino a Chicago. Quella musica mi ha ispirato a rinunciare a cercare di adattarsi al mondo convenzionale. Una buona cosa anche perché ero veramente terribile a farlo! Questa nuova cultura mi ha ispirato a seguire il mio percorso in tutte le cose (per bene e male). 

solo on Sonarchy – KEXP Seattle

Alla fine, un paio di miei fratelli (i miei genitori hanno adottato diversi bambini mentre vivevano a Chicago e Michigan) mi hanno invitato a suonare il basso nella loro band punk. Tutto quello che dovevo fare era ottenere un basso. E lo ho fatto. La nostra band – “the Evicted”- è durata solo un’estate, ma nel frattempo ho incontrato un tastierista di nome Eric Bowers che stava facendo cose interessanti con dei synth commerciali. Siamo diventati buoni amici e ho iniziato a creare tracce astratte su un vecchio 4-track cassetta. Ho iniziato a cantare e raccogliere una piccola chitarra in questo periodo. Sono stato incantato dal processo di costruzione, traccia di pista, piccole sculture soniche. Nel 1987 avevo messo insieme una band – “Jumanji” (prima di questo grande libro per bambini, scritto dallo scrittore locale Chris Van Allesburg, è diventato un grande e terribile film con Robin Williams). Stavo cantando, non suonando la chitarra. Fu fondamentalmente una brutta copia dei Joy Division. Quando ho iniziato il college, ho contemporaneamente compreso che ero un cantante terribile e che preferivo suonare a chitarra. Fu allora che mi sono orientato sui Naked City di John Zorn e alla Mahavishnu Orchestra. Da lì, tutto è sfociato come i collegamenti musicali da questi due punti sono passati nelle mie orecchie per i vent’anni seguenti.
Quelle influenze sono venuto a sopportare la mia prossima banda in Michigan nei primi anni Novanta – “Nobodaddy”. Come con “Jumanji”, l’appartenenza comprendeva il mio amico e il mentore Eric Bowers. Questo è stato un mash-up strumentale di King Crimson, Naked City e Meat Puppets ed è stato il veicolo che ha attirato l’interesse del produttore Randall Dunn, che al momento sta studiando ingegneria a Seattle e inizia la sua etichetta, Endless Records. È stato per questo incontro fortuito che ho concluso con un biglietto del treno a senso unico a Seattle nel 1995.
Dire che sono autodidatta non sarebbe accurato – solo perché non mi sembra mai di imparare nulla di quantificabile! Era più che, appena presa una chitarra, ho tentato senza successo di replicare le cose che ho sentito e mi è piaciuto e ho costruito un set di abilità basato su quello. Ho provato le lezioni per un po ‘di tempo, ma ho abbandonato ancheil college dopo un mese di confusione e disinteresse. In qualche modo volevo mantenere il mistero, forse a scapito della padronanza. Quando mi sono imbattuto sul percorso meno approfondito della tecnica estesa, mi è sembrato che in questa zona non c’era sufficiente autorità per poter seguire il mio approccio bloccato.
Spesso è la mia strategia per rinunciare al controllo e mi lascio sorprendere. Ci sono anche cose più difficili da realizzare per me con il modo di suonare convenzionale. Ciò potrebbe significare qualsiasi cosa da impostare un preparato che funziona da solo e mi sorprenderà con risultati inaspettati per lavorare per minimizzare la mia influenza basata su preferenze sia in largo che in quel momento. Nonostante la conoscenza migliore, sono ancora tentato di insinuare la mia opinione e l’intenzione in un’esperienza musicale.

3-Presentaci il tuo nuovo lavoro

Il mio ultimo disco solista, “Mutei”, è stato pubblicato nel 2015 su Important Records. Adesso non ho nulla da fare. Infatti, a parte un posto o due come ospite, il 2016 sarà il primo anno che non avrò qualcosa che uscirà da quasi venti anni. Come accennato in precedenza, un’importante aspirazione per me è stata che i miei dischi diventino originali. Questo significa che non voglio rilasciare un record di materiale che suona come uno dei record precedenti. Attualmente, sulla base delle mie performance live, sto ancora lavorando su approcci e costruzioni che definiranno un’offerta stand-alone.
Ho lavorato su alcuni pezzi di ensemble che coinvolgono un gioco più tradizionale e vorrei vedere che alcuni di essi sono registrati ma il bilancio per farlo è abbastanza alto e il finanziamento è un po ‘scarso in questo momento. Data l’attuale inesistente ritorno su un record, non posso perfettamente completare queste.

4-Qual è la tua configurazione ideale per il live con la chitarra preparata (procedure preferite, hardware preferito, influenze, progetti per il futuro)

Preferisco usare degli amplificatori che hanno una larghezza di banda ampia perché mi piace accedere alla profondità dei bassi. A causa di questo, e il fatto che il mio obiettivo non è quello di produrre un tono tradizionale di chitarra, mi piace molto usando bassi, tastiere o amplificatori per chitarra acustica. Tipicamente quando sono in tour, sono alla misericordia di qualunque amplificatore che il locale oi musicisti locali abbiano. Questo mi ha reso piuttosto flessibile nell’ambiente live. Ogni pezzo di attrezzatura ha le sue sfumature e, a prescindere dalla qualità, voglio sfruttare questi vantaggi. A volte non riesco a sfruttare le sfumature a mio vantaggio, ma è una parte del gioco d’azzardo – per fare il meglio con quello che ho.
Ho un sacco di delays, loopers, pitch shifters e distorsioni, ma il più importante nella mia catena è il mio compressore. Si tratta di un Tech 21 Bass Compactor e dispone di controllo di alti e bassi- unico in un compressore a pedale quando fu concepito. Spesso cerco suoni nascosti all’interno della chitarra, quello che mi piace chiamare suoni “microscopici”. Il compressore è come il microscopio che porta i suoni minuscoli alla percezione dell’ascoltatore. Senza questo, la maggior parte dei suoni a cui lavoro sarebbero impercettibili . Mi piacciono ritardi e cicli per creare più voci simultanee e pitch shifters che mi permettono di scegliere più pitch quando si lavora con varie preparazioni che, pur offrendo timbri meravigliosi, spesso riducono il numero di opzioni pitch.
Quanto agli oggetti che uso – favorisco oggetti e strategie che richiedono un modo diverso di suonare lo strumento e / o che permettano di creare suoni senza il mio intervento diretto. Ho un filo lungo che ho messo tra le corde e lascio che ondulare da soli rimbalzando la chitarra delicatamente nella mia performance. Uso magneti che si attaccano a caso ai pickups e ai frets. Una striscia di filo tra le corde come una lama d’erba ottiene grandi suoni di balene anche simili agli ottoni. Tutto ciò che permette casualità e sorpresa attrae la mia attenzione. Le unghie fra le corde mentre battono il corpo della chitarra creano tremolii piccolissimi. Queste tecniche e più appaiono nei link elencati di seguito.
Una cosa con cui lottare è che una volta che ho trovato una tecnica fredda, può diventare abituale. Può sembrare uno spazio sicuro per me come esecutore perché so benissimo come funzionerà. Diventa una sfida nella prestazione di abbandonare l’ignoto per qualcosa che so che suonerà fredda. Ho accettato la lotta tra il mistero e la padronanza come gran parte del mio lavoro e immagino che sarà così finché farò performances.

with Chu Makino

 
With Davida Monk at the St John Sound Symposium

Denis Shapovalov e OBS label: l’etichetta elettroacustica d’avanguardia

La nostra etichetta fu fondata nel 2004. Inizialmente l’ho utilizzata per pubblicare i miei progetti su cassette, poi in seguito ho iniziato a pubblicare altri artisti provenienti da paesi occidentali. In un certo senso era più interessante e affascinante rispetto a pubblicare unicamente la mia arte sonora. Durante quel periodo la mia attenzione principale era focalizzata sul suono drone arcaico, ma mi accorsi di stare per aderire al mainstream.Questo mi ha fatto perdere completamente il mio interesse in queste sonorità, non potevo più percepirle.

OBS ha iniziato il suo lavoro con alcuni stravaganti droni e musica concreta, con rilasci come Placement & Adriva, Five Elements Music, Andrea Marutti, Jim Haynes e Five Elements Music e Denis Shapovalov. Poi ho una sensazione che la musica drone in Russia sia diventata un ovvio mainstream mi ha reso completamente riluttante a lavorare con qualsiasi altra cosa da quel genere. Ho pensato di poter portare una certa diversità, più rigida e concreta, se posso metterlo in quei termini.

Per essere onesti, considero ancora quelle uscite come mainstream. Non sapevo solo se potessi pubblicare qualcosa di più maturo nell’elettroacustica perché avevo dubbi sul fatto che i compositori altamente considerati e seri sarebbero stati interessati a farsi pubblicare in Russia. È veramente accaduto per caso, abbiamo cominciato a collaborare con autori francesi, come Vincent Laubeuf. Era una sorta di cosa sperimentale, distruggendo i confini tra scene underground e accademiche, mentre il drone e la soundart mi annoiavano. Inoltre, la stessa moda superficiale è arrivata a Mosca e San Pietroburgo, le città che dettano le loro tendenze al resto del nostro Paese. Quindi in generale il concetto principale era quello di creare un’alternativa musicale alle etichette basate su Mosca-Petersburg e alla loro propaganda principale.

pagina bandcamp: https://obsmusic2.bandcamp.com
pagina facebook:

La Musica di Manfredi Clemente

VaresElectronique presenta
un talentuoso compositore di musica concreta Italiano.
Ecco a voi Manfredi Clemente.

Come potresti definire la tua musica?

Se parliamo della mia attività compositiva, allora continuo a definire ciò che faccio musica concreta, espressione che da un certo punto in poi ho adottato e sostituito al più moderno acusmatica, e che ho notato comincia a riemergere anche fra i miei coetanei e fra i più giovani (anche se spesso l’idea che se ne ha è vaga e imprecisa). Ma oltre alla composizione, ci sono anche le altre mie attività, quella di improvvisatore, che è nata quasi per gioco negli studi dell’Università di Birmingham, e il field recording, che mi ha sempre interessato e che in qualche modo si fonde a entrambe le precedenti.

Quali sono le teorie e gli obiettivi dietro la tua attività compositiva?

È difficile definire obiettivi precisi o univoci per le mie varie attività.. di base direi che c’è ovviamente un forte fascino per il suono e per quello che con il suono si può esprimere. Spesso paragono l’attività del comporre – un termine considerato desueto su cui però sono intenzionato ad insistere – a quella della scrittura di un testo poetico. Penso che il principio di base dell’ascolto, almeno quando ci rapportiamo a un brano concreto o acusmatico, sia quello dell’esplorazione delle immagini sonore che il compositore ci propone. In questo senso immagino un brano come una somma di spazi svolta su un asse temporale e dunque esplorabili… e il fine ultimo che immagino è proprio l’esplorazione in sé. Nell’esplorare si innesca un meccanismo di evocazione di significati e sensi che sono nostri e di nessun altro: si potrebbe dire dunque che esploriamo noi stessi. Per questo in una mia piccola introduzione alla musica concreta che una volta mi chiesero di scrivere, usai la metafora di un orecchio che ascolta se stesso.
Per tornare alla tua domanda, nel comporre (e forse anche nell’improvvisare – il mio obiettivo è stimolare questo ascoltarsi: i miei lavori sono innanzitutto un mio personale mezzo per ascoltare me stesso, e poi uno strumento che spero possa essere utile nello stesso senso per il pubblico dei miei concerti o per chi ascolta in privato. Ovviamente a questo si affiancano ragionamenti d’altro tipo.. nel raggiungere quell’obiettivo finale voglio anche confrontarmi con la storia tecnica ed estetica del far musica in generale, e in particolare del far musica concreta. Mi piacerebbe, nell’arco della mia vita, riuscire a sfuggire ai cliché manieristici di certa sperimentazione e trovare anche solo una soluzione espressiva che possa essere considerata una novità. In un’intervista a un periodico siciliano, Salvatore Sciarrino disse una volta che l’arte è di tutti ma non si dà a tutti. Vedremo che ne sarà dei miei tentativi.

E il field recording?

Quella è una pratica che in qualche modo ho conquistato lentamente. All’inizio pensavo fosse un modo per accumular materiale da sfruttare nelle mie composizioni. Da qualche anno ormai mi ritrovo sempre di più a registrare con un approccio più paesaggistico, tanto che la maggior parte delle volte preferisco prese del suono ampie, ariose, lunghi ‘piano-sequenza’. Diciamo che il paesaggio sonoro è un modo che ho trovato per unire la mia passione per il suono e il piacere dell’escursionismo, soprattutto in Sicilia. Per questo, imitando altri che già lo fanno, ho deciso di dedicare una sezione del mio sito alle mie registrazioni paesaggistiche.

Da dove provieni musicalmente e come hai realizzato la tua musicalità?

Non sono uno di quelli che può vantare un talento musicale evidente sin dall’infanzia, anzi… A 13-14 anni ho cominciato a studiare la chitarra jazz, blues e bossa, per poi diventare un pessimo chitarrista. Quei generi musicali però mi piacevano parecchio già da ragazzino e mi hanno in qualche modo segnato. Consumavo i CD di mio fratello e mia sorella, insistendo sempre su alcuni: Keith Jarrett a Tokio (1996) e i concerti di De Andrè con la PFM sono un paio di quelli che mi vengono in mente, ma c’erano varie altre cose spesso assurdamente eterogenee (e a volte anche piuttosto trash). In realtà però la mia vera origine musicale è quella del DJing: quando avevo 15-16 anni circa ho cominciato ad appassionarmi di reggae e roots e a comprar vinili, a organizzare qualche festa in giro per la città. Poi pian piano ho conosciuto la musica Dub, l’IDM, certa ottima Dubstep underground del primo decennio degli anni 2000 (di cui ho una buona collezione in vinile, soprattutto dell’etichetta Tectonic). Parallelamente però ho anche saputo apprezzare il repertorio classico e più tardi anche quello barocco. Non sono mai riuscito però ad esaurire in un genere musicale tutta la mia curiosità, per cui la ricerca è stata continua ed estenuante, fino all’approdo al Conservatorio (dopo qualche anno di studi presso la facoltà di Scienze Biologiche), dove ho finalmente scoperto la musica contemporanea, il repertorio elettroacustico e così via.. Direi che più che avere un talento, una musicalità innata, me la sono andata costruendo negli anni, con fatica e con tanti ascolti, studiando il più possibile, sempre con l’idea di aver tanto da recuperare.

Presenta il tuo nuovo lavoro:

Dopo un periodo piuttosto lungo di composizione intensa dovuto al PhD a Birmingham, sono in una fase di studio del mio stesso “catalogo”. Sto cercando di capire quello che ho prodotto in questi ultimi 4 anni, ovvero negli anni in cui la mia produzione è nettamente cambiata e maturata e a cui appartengono anche i brani recentemente pubblicati da Denis (Obs). Ho un lavoro, ultimato da poco, che è ancora da presentare ufficialmente in un concerto pubblico e che spererei di pubblicare presto. Si intitola Buificazioni ed è frutto di una collaborazione con l’autore teatrale Dario Enea, palermitano anche lui, ispirata alle Illuminazioni di Rimbaud. Lui ha scritto un testo in aforismi che io ho poi messo in musica, alternando a un aforisma letterario uno musicale. Al momento sto lavorando a un brano commissionatomi da Audior, in cui ho raccolto la sfida di ispirarmi a un fatto naturale, per di più ritratto in fotografia, cosa che non avevo mai fatto prima. Ultimo ma non ultimo, prenderò presto parte a un progetto europeo sul paesaggio sonoro che vede protagonisti il GMVL, gli Amici della Musica di Cagliari e Tempo Reale, e che mi vedrà impegnato in registrazioni sul territorio sardo. Per quanto riguarda aspetti più generali del mio lavoro attuale, posso dire che sto cercando di controllare meglio il mio stile, avvicinandomi a forme e rapporti fra le parti della scrittura acusmatica più essenziali: sogno quella complessa semplicità di certi lavori di Pierre Henry così come di Kurtag o Scelsi.

Qual è l’idea di performance che concepisci per la tua musica?

Oggi come oggi c’è nella musica elettroacustica una tendenza ad adottare modi della performance propri di altri campi, e in particolare del clubbing. Non ci si rende però conto di quanto questo possa risultar ridicolo nel momento in cui tutto ciò che definisce la ritualità del clubbing viene a mancare. Succede infatti che per imitare il dj ci si perda in una serie di scelte esteriori che hanno poco senso: senza chiedersi perché si decide di star di fronte al pubblico, illuminati, magari semi-nascosti dal fumo, a ruotare potenziometri con gesti slegati dalla produzione del suono. Tutto ciò non mi interessa affatto: non lo vedo come una bella commistione, ma come un tentativo un po’ triste di accattivarsi pubblico. Se parliamo di un concerto di musica concreta, allora l’acousmonium è il mio strumento ideale. Curando l’acousmonium degli Amici della Musica di Cagliari e suonando per quattro anni con il BEAST ho imparato a capire questi complessi strumenti: decine di casse (più di cento nel caso del BEAST) che circondano il pubblico, sulle quali si distribuisce il suono originariamente inscritto in pochi canali.. è un’esperienza unica, in cui però l’interprete è (o dovrebbe essere) defilato, lasciando intendere che il suo lavoro non è cosa di cui far spettacolo per gli occhi. Anche qui infatti il gesto fisico non è collegabile dallo spettatore a ciò che succede, e pertanto non lo si mostra in maniera evidente, cercando di incoraggiare la concentrazione sull’ascolto piuttosto che sulla visione: i concerti più efficaci che abbia fatto erano nel buio totale.
Nel caso invece di un set di improvvisazione dipende molto dal tipo di concerto: a volte si può esser parte di un ensemble che include anche strumenti, e allora è bello stabilire il classico rapporto frontale col pubblico dato che almeno in parte il rapporto di causa-effetto è ristabilito, e che certi meccanismi di interazione fra musicisti tornano evidenti all’occhio. Ma se parliamo del mio solo con il no-input mixing board, la posizione frontale con luminarie puntate non è affatto necessaria; mi basta avere, da parte del pubblico, concentrazione.
In generale sono anche molto interessato al tipo di esperienza che posso offrire tramite l’ascolto a casa, sia su altoparlanti che in cuffia, che permette di stabilire un rapporto molto più intimo con i brani musicali. L’uso di dinamiche naturali nei miei brani è pensato proprio per stimolare l’avvicinarsi dell’ascoltatore alla sorgente, per stimolare quell’esplorazione di cui parlavo prima.

Qui trovate il sito di Manfredi Clemente:

http://www.manfrediclemente.it

La Musica di Vincent Eoppolo

Vincent Eoppolo è un artista davvero speciale!
Scopriamo qual è il suo percorso con una sua testimonianza:

Vincent Eoppolo
Wilmington, Delaware USA.

Ho iniziato a comporre musica quando avevo 13 anni e ho ricevuto una formazione musicale formale fino a quando avevo 19 anni ho studiato jazz e chitarra classica, così come teoria musicale tradizionale, armonia e composizione. Ho iniziato a sperimentare con i registratori a più nastri nei miei primi anni ’20 (circa 1982)
Ho acquistato il mio primo sintetizzatore e cominciando a costruire il mio primo studio nel 1984. Sono totalmente autodidatta, ma ho un debito di gratitudine nei confronti
del compositore elettroacustico Americano, professore e co-sviluppatore del Synclavier Jon Appleton. Dal suo libro,”The Development & Practice of Electronic Music”
e le dalle sue registrazioni ho avuto la più grande ispirazione.

Considero le mie opere come sintesi di diverse tradizioni artistiche del suono tra musica concreta, acusmatica , teatro acustico e radio art.
Sono sempre stato ispirato dai pionieri in questi settori, come Luc Ferrari, Pierre Henry, Francis Dhomont e Orson Welles.
Inoltre, mi sono anche molto ispirato al cinema ed alle opere di registi come Orson Welles, Antonioni, Pasolini e Kubrick
Nella maggior parte dei casi che sto cercando di creare opere “cinematiche”.
Sto tentando di fare film sonori.
Nel mio lavoro mi sforzo di catturare e presentare brevi momenti del mondo in cui viviamo. La società nel processo continuo di realizzare di se stessa.
Il nostro rapporto con l’altro, con la tecnologia, la nostra moralità, spiritualità, sessualità, le nostre ansie e paure. In molti modi le mie opere sono come
commenti sociologici e psicologici. Raggiungo questo aspetto del mio lavoro passando ore sui siti di social media come YouTube alla ricerca della la sorgente audio perfetta. Sto usando il commento attuale della società, la voce della società, non la mia.
Soltanto la rendo musica.

 

Per quanto riguarda gli aspetti tecnici del mio lavoro, non ho mai avuto una fedeltà a una particolare scuola di pensiero, tecnologia o tecnica compositiva
come ho sempre utilizzai qualunque strumento a cui abbia avuto accesso. Attualmente, sto usando un sistema di sintesi modulare in gran parte costituito da moduli Verbos Electronics e moduli Mutable Instruments. Utilizzo anche il mio Buchla Music Easel, Yamaha S90 e Waldorf Microwave XTk. Tuttavia, il primo mattone del mio suono sono le applicazioni IOS di ApeSoft. IDensity, Stria, Sparkle e Ipulsaret sono utilizzati in quasi tutti i lavori che ho creato. Sono incredibili applicazioni.
Il mio processo compositivo consiste nel registrare tutto il mio audio in tempo reale in Logic. Non uso MIDI o sequencing software di qualsiasi tipo.
Come i compositori musica concreta del passato, passo ore modificando il materiale sonoro grezzo in quello che sarà il lavoro finale
.

Il mio lavoro è stato descritto sul programma di Bernard Clarke Nova su di RTE’s Lyric FM, Radio Phaune di Montpellier, Francia, così come Radio Art International and Passeport International da CHOQ Radio in Montreal. I miei lavori saranno inoltre presentati al prossimo New York City Electro-Acoustic Music Festival
nel mese di giugno e luglio del 2017.